Indiana Jones y los Cazadores del Arca Perdida (Raiders of the lost ark, Steven Spielberg, 1981)

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En el 2008 Paramount Pictures y Lucas Arts relanzaron en DVD la trilogía de películas de Indiana Jones, como parte de la estrategia de promoción de la cuarta entrega de la saga. El resultado fue un disco lleno de extras, e interesante, porque ponía en formato digital un material fotográfico y fílmico especial para coleccionistas y fanáticos del cine.

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Spielberg dirigió esta película cuando ya se encontraba en la cresta de la ola. Venía de consagrarse con "Tiburón" y "Encuentros Cercanos del Tercer Tipo".
Con "Los Cazadores del Arca Perdida" - originalmente no tenía adelante el "Indiana Jones y..." - el realizador trajo al presente la mística de las películas de aventuras de bajo presupuesto de mediados del Siglo XX.

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Indiana Jones, en la piel de Harrison Ford, es un antropólogo aventurero que es convocado para encontrar antes que los Nazis el Arca donde el pueblo judío guardó los restos de las tablas donde estaban escritos los 10 mandamientos. Corre el año 1936 y todavía no ha comenzado la Segunda Guerra Mundial. Adolf Hitler, supone el servicio de inteligencia de Estados Unidos, está buscando elementos místicos que pretende usar como armas.

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Si Harrison Ford no tiene el físico de un héroe de acción, la "chica" de la película tampoco cuadra con los personajes estereotipados de los seriales de los 40´s. Karen Allen le da vida a "Marion Ravenwood" la hija de un reconocido arqueólogo que se suma a la aventura.

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El resto es historia. El éxito de la película hizo que se filmaran dos secuelas hasta el final de la década de los 80´s, que también se convirtieron en clásicos.
A su vez, "Los Cazadores del Arca Perdida" revalorizó el género y permitió que "Allan Quatermain" volviera a la pantalla grande y surgiera "Jack T. Colton" con el rostro de Michael Douglas. A finales del siglo pasado y al comienzo de este las películas de "La Momia" recuperaron algo aquel brillo, pero no fue lo mismo.

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Características especiales. Cortos documentales, cientos de fotografías y hasta el trailer de un videojuego están presentes en esta sección del disco.

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- Los Cazadores del Arca Perdida: una introducción. En Agosto de 1980 comienza diciendo: "Esta película que filmamos no es algo realista. Pero tampoco es una parodia o una imitación".
En el 2008, el director agrega: "tenía sed de acción y aventuras.Quería hacer una película que me llevara a recorrer el mundo y eso le dije a George Lucas cuando estuve con él en Hawai en 1977, que quería hacer una película de trotamundos como James Bond".
Spielberg también agrega que después de los problemáticos rodajes de "Tiburón", "1941" y "Encuentros Cercanos del Tercer Tipo", quería filmar una película "económicamente responsable", es decir, que se ajustara a los tiempos y al presupuesto acordado.
En este corto documental también habla Lucas, recordando su rol de productor ejecutivo.
Dura 7 minutos y medio.

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- Indiana Jones: una apreciación, Indiana IV mira hacia la trilogía original. Este es un corto documental de 11 minutos y medios que serviría de visagra entre el pasado y el presente. Se puede ver hablando a Spielberg, Lucas, al productor Frank Marshall, a la productora ejecutiva Kathllen Kennedy, a Ford y a Karen Allen, pero también a los protagonistas de la cuarta película "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal". Ahí están Shia La Beouf, Jhon Hurt - que reconoce que fue a la fuerza a ver el estreno de "Los Cazadores..." porque entonces no les gustaban ese tipo de películas -, y Cate Blanchett - que dice que mientras todas sus amigas querían ser las chicas de la película, ella soñaba con ser Indiana Jones -.
También se escucha al guionista de la última entrega, David Koepp, quien se refiere al trabajo del escritor de la original, Lawrence Kasdan.]
Spielberg demuestra cuanto le gusta lo que hace, recordando frases y escenas completas de la trilogía.
Hay mucho material de archivo, tanto del rodoje como de los actores.

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- El rostro que se derrite. Este apartado es especial para los amantes de los efectos especiales. Chris Walas, especialista en efectos especiales y maquillaje que trabajó en la película, explica como logró que se le derritiera la cara al personaje Toht, sobre el final de la historia.
Personal de la empresa Kener Optical reproducen en el 2008 el truco.
Walas comenta que primero se tomó un molde del actor, por un lado, y se esculpió un cráneo de piedra por otro. Sobre este último, pinto distintas capas utilizando una gelatina que se derretía a baja temperatura. Luego se puso una máscara con el rostor del actor sobre el cráneo preparado y se lo filmó mientras se le aplicaban altas temperaturas con calentadores de propano y una pistola de calor.
Completar la filmación tardó entre 8 y 10 minutos, por lo que en la película se ve, es una versión reproducida en forma acelerada.

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- Storyboards: el hueco de las almas. Este es un corto interesante, porque muestra una secuencia del storyboard mientras se reproduce esa parte de la película en una pantalla pequeña. Se puede observar la comparación entre los dibujos orginales y el producto final.

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- Galerías: aquí hay cuatro grupos de imágenes: 1) Ilustraciones y propuestas, donde se muestran los bocetos originales en los que se basó la producción para desarrollar la película. Indiana Jones luce musculoso y Marion es esbelta y pulposa, por ejemplo; 2) fotografías del rodaje y retratos, donde hay una serie de fotos del detrás de cámara y de detalles, como un jeroglífico donde aparecen esculpidos R2 - D2 y C3PO de "La Guerra de las Galaxias"; 3) efectos especiales, donde hay una serie de fotografias e ilustraciones del proceso de producción de los distintos efectos especiale que se ven en la película; 4) Marketing, que permite ver el desarrollo de la campaña de publicidad y eleboración de los afiches de la película y la carterlería promocional.
En total, hay 441 imágenes.

- Lego Indiana Jones: el juego de las películas originales. Aquí se puede ver el trailer de estos video juegos y se aporta un link, que si se ve el DVD en una computadora, permite conectarse con un sitio de Internet donde se ejecuta una demo,

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Escenas. La película está dividida en 32 escenas.

Configuración. Se puede escuchar la película en inglés, francés y español. Los subtítulos están disponibles en los mismos idiomas.

Más fotografías de los DVD comentados en Películas en DVD

La Red Social (The Social Network, David Fincher, 2010)

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"La Red Social" podría ser entendida como una versión más light de "Wallt Street" en los tiempos de la web 2.0. La película deja traslucir la manera en la que se financian las empresas de Internet y lo despiadado que puede ser el mundo virtual de los negocios.
La historia que se cuenta es la de la creación de facebook y las idas y vueltas en la relación de sus responsables.
A pesar de todo, Mark Zuckerberg, creador de la red social que tiene más de 500 millones de usuarios, queda bien parado en el film de David Fincher. Debe ser raro para una persona que no cumplió los 30 años, tener una biografía que estuvo nominada al Oscar.

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Zuckerberg es un genio de la programación, egocéntrico, alienado, que siempre está a la defensiva, pero al que, de última, no le interesa el dinero en sí. Por lo menos eso es lo que deja traslucir la representación que hace el actor Jesse Eisenberg.
De última, parece que este jovencito que fue declarado por la revista Times como hombre del año en el 2010, hizo lo que hizo porque se pelió con una ex novia, y encima no le daba para que lo aceptaran en los clubes de la Universidad de Harvard.

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El film se basa en el libro "Millonarios por accidente", escrito por Ben Mezrich.
La película dura dos horas y media, que se pasan volando, porque la manera en la que se narra la historia es muy entretenida y eso que se habla hasta por los codos. La tensión se mantiene por los dos juicios que tuvo que enfrentar Zuckerberg mientras consolidaba su carrera: el primero, por una pareja de gemelos que dicen que les robó la idea; y el segundo, por su mejor amigo, que dice que lo dejó afuera del negocio.

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Lo que realmente funciona bien en la película es el reparto. Hay mucha química entre los actores y su trabajo se da con naturalidad. No se sabe si las personas de la vida real que representan son así, pero se deja en claro que ninguno es absolutamente malo o bueno.
Rooney Mara, quien será "Lisbeth Salander" en la versión americana de la trilogía "Milenium", hace de la chica que deja a Zuckerberg; Andrew Garfield hace de Eduardo Saverín, el brasilero que le prestó los primeros pesos al creador de facebook; por la gracia de la tecnología Armie Hammer le pone el rostro a los dos mellizos Cámeron y Tyler Winklevoss, aunque Josh Pence le pone el cuerpo al segundo; Justin Timberlake demuestra que puede hacer mucho más que dejar al descubierto el pecho de Janet Jackson y brilla al darle vida a "Sean Parker", el creador de Napster - el sitio que comenzó con la caída de la industria discográfica - y único que parece entender como funciona la cabeza de Zuckerberg.

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En el desarrollo del argumento se da entender que facebook crece emitiendo acciones y captando el dinero que manejan los fondos de inversión, aunque no se explica como puede generar ganancias este tipo de empresas. Uno de los motivos por los cuales Zuckerberg se aleja de Saverín es que este tiene el concepto de que el sitio de internet se debe financiar con publicidad. Y sin saber como, facebook termina valiendo millones.

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La película deja plantado a Zuckerberg como un idealista que sueña con tener miles de millones de amigos, en facebook, y recuperar a su ex novia.
Fábula del capitalismo tardío, con giros típicos del mercado del cine.

Características especiales. Este DVD cuenta con dos líneas de audio adicionales, donde se pueden escuchar las declaraciones de los realizadores y los actores de la película. Realmente hay que ser un fanático del cine para pasar 7 horas y medias, para escuchar todo lo que dicen. Es decir, hay que ver 3 veces la película. Hubiera sido mejor poner documentales y entrevistas.

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- Comentario de David Fincher: el director habla durante las 2 horas 30 minutos que dura la película. Obviamente, arranca haciendo comentarios sobre la escena inicial, donde Zuckerberg es dejado por su novia. Dice que no hubo nada de improvisación, que todo lo escribió Sorkin. Agrega que se usó esta parte de la historia para realizar el casting para definir al protagonista. Luego de 4 semanas se encontró con Eisenberg y decidió que él fuera el protagonista. La segunda anécdota tiene que ver con la música que se escucha mientras pasan los títulos. Fincher dice que quería que se tratara del tema "Beyond Belief" de Elvis Costello. Luego Trent Reznor y Atticus Ross le llevaron la melodía que terminó ganando el Oscar a Mejor Música Original.
Posteriormente, reconoce que la película no se filmó en Harvard, sino en la Universidad Jhon Hopkins y luego con matte painting se agregaron edificios y estatuas en los fondos.

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En otra parte, Fincher reconoce que se gastó mucho dinero en colocar el rostro de Armie Hammer, al cuerpo de Josh Pence. Se usó un programa informático. La idea era dar la posibilidad de que en la película se mostrara como interactuaban los gemelos Winklevoss.
Un dato interesante es que en la escena de la regata real de Henley, se filmaron todas las tomas panorámicas en el lugar, pero los primeros planos se hicieron en Eaton y luego se agregaron como fondos fotografías fuera de foco.
Por otra parte, Fincher reconoce que se tuvo que autocensurar la película para conseguir una clasificación PG13. Para esto, se eliminaron malas palabras y hasta partes de escenas donde se veía como algunos personajes aspiraban cocaína.

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- Comentario del guionista Aaron Sorkin y los actores Armie Hammer, Josh Pence, Andrew Gardfield, Jesse Eisenberg y Justin Timberlake: el buen clima que se vivió entre los miembros del reparto se muestra en los comentarios de Hammer, Pence y Gardfield, que grabaron todos juntos. Mientras tanto, Sorkin, Eisenberg y Timberlake parece que tuvieron entrevistas individuales.
Sorkin reconoce que para la melodía de los títulos quería a "Love of the Common People" interpretada por Paul Young. Luego llegó Fincher y trajo el tema de Reznor y Ross que ganó el Oscar. Otro dato, Sorkin interpreta al empresario que les da una entrevista a Zuckerberg y a Saverín en Nueva York, cuando el primero hace ruido con la boca.

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Hammer es el responsable de los comentarios más cómicos. Todos se ríen cuando en la escena afuera del baño de hombres del bar aparece Pence con su propio rostro.
Einsenberg reflexiona mucho sobre su personaje y sobre el Zuckerberg de la ficción.
Ya sobre los títulos, Gardfield expresa su deseo de tener la posibilidad de reunirse con Saverin para saber si le gustó su trabajo en el cine.
Lo cierto es que tanto los gemelos Winklevoss como el propio Saverin cobraron varios millones por un acuerdo con Zuckerberg y también firmaron una claúsula de confidencialidad por la que se comprometieron a no hablar más sobre facebook.

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La edición especial de la película trae un segundo disco, donde se puede encontrar los siguientes títulos:

- ¿Cómo pudieron hacer una película sobre Facebook? Un largometraje documental de cuatro capítulos.
- David Fincher y Jeff Cronenweth comentan el diseño de producción.
- Angus Wall, Kirk Baxter y Ren Klyce comentan la post-producción.
- Trent Reznor, Atticus Ross y David Fincher comentan la composición de la banda sonora.
- La VIP de Ruby Skye: Desglose de escenas multiángulo.
- En la gruta del rey de la montaña: El primer borrador de Reznor
- Swarmatron.

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Idiomas. La película se puede escuchar en inglés y castellano. Lo mismos idiomas están disponibles en los subtítulos.

El Triángulo (Triangle, Christopher Smith, 2009)

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Jess, la protagonista de "El Triángulo", podría cambiar el verso que dice que en "en el mar la vida es más sabrosa" por "en el mar la vida es tenebrosa". Los elementos fantásticos se mezclan con otros del cine de miedo para generar una verdadera revelación producida en Australia y que en Argentina se estrenó directamente en DVD.
Melissa George encarna al personaje principal, interpretando un círculo completo de emociones. A lo largo de la historia se la puede ver pasar por todos los estados de ánimo, desde la confusión a la alegría y desde el terror a la tristeza. Su trabajo es destable.
La actriz se hizo conocida en su Australia natal, pero tuvo una breve aparición en "El Camino de los Sueños" de David Lynch, que supo explotar para formar parte del elenco de "Terror en Amity Ville", "30 días de noche", y brindar una actuación para el recuerdo en la serie de HBO "En tratamiento".

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Al principio del relato, Jess, tal el personaje de George, le enseña a su hijo autista a evadirse de las pesadillas cerrando los ojos y pensando en "algo bonito" como estar con él. Luego se sube a un velero para dar un paseo junto a un grupo de personas. Una tormenta los sorprende a todos en alta mar, y terminan subiéndose a un barco llamado "Aeolus" que parece estar vacío. La mujer siente que ya estuvo en el lugar, pero no logra que los otros le crean. Allí aparece un extraño asesino que lleva una bolsa en la cabeza en un cerrado homenaje al Jason de "Viernes 13 parte 2".
Al enfrentarse a su perseguidor, a Jess se le da vuelta el mundo y todo se vuelve una verdadera locura.
Smith - responsable de la subterránea "Creep" y la boscosa "Severance" - presenta un argumento que tiene componentes propios de las historias de los escritores Jorge Luis Borges, Adolfo Bioy Casares, Juliio Cortazar, Ernesto Sábato, y hasta el "Trazo de Tiza" de Miguelanxo del Prado que fue publicada por la europea CIMOC a comienzos de la década de 1990.

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La vida cotidiana toma un rumbo fantástico en un momento, sin que haya una razón lógica y necesaria. A Jess, solamente le queda ir para adelante, aunque su destino ya esté marcado.
En un momento, se comenta que el nombre del barco hace referencia a una figura de la mitología griega, que es el padre de Sísifo, aquel condenado a subir una piedra hasta la cima de una montaña. Pero este ser nunca podía completar su castigo, porque la piedra caía por la pendiente.

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El ritmo de la película es intenso y atrapante. A pesar de que la mitad se puede extraer una posible explicación, hay que llegar hasta el final para darse cuenta del sentido de la historia. A veces el olvido de una situación traumática, puede ser mayor castigo que el recuerdo.

Caraterísticas especiales. Como este es un producto de AVH, no tiene más que sus tradicionales "extras": Sinopsis, Ficha Técnica, Ficha Artística, y Trailer.
Hay que destacar que el trailer de la película es atrapante, y hasta los productores se la jugaron y dejan echar un vistazo a una escena que podría creerse clave, pero aquel que se suba al barco, se dará cuenta que estaba equivocado.

Escenas. La película está dividida en 12 escenas.

Lenguajes. El audio se puede escuchar en inglés Dolby 2.0 o 5.1. Los subtítulos vienen en inglés y castellano.

Más fotos.

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Pandorum: Universo Paralelo (Pandorum, Christian Alvart, 2009)

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La locura ataca en cualquier parte y sin avisar. Pero si uno pierde la razón en medio del espacio, se puede complicar la búsqueda de un psicólogo.
"Pandorum" es la segunda película que hizo el director alemán Christian Alvart con producción estadounidense. La cinta no corrió mejor suerte que su predecesora "Caso 39", y en Argentina, tardó dos años en estrenarse directamente en el mercado del DVD.
AVH se hizo cargo de la edición, y además de presentar un DVD sin ningún extra que se distinguiera, le agregó el subtítulo "Universo Paralelo" que da la idea de que ni en esta empresa la vieron, porque el argumento va por el lado de la locura y no hay ningún "universo paralelo".

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Originalmente, el argumento iba a girar en torno a una prisión espacial y se trataría de una película que costaría alrededor de 200 mil dólares. Luego de leer el guión, Alvart y el estudio pensaron que sería mejor trasladar el argumento a una nave espacial, y el presupuesto comenzó a crecer hasta llegar a los 33 millones de dólares.

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Entonces la historia va de que en el año 2174 partió de la tierra una nave inmensa llamada Elysium con dirección a un planeta habitable llamado Tanis porque la superpoblación del Mundo ha llevado a una guerra por las escasez de recursos naturales. Lleva en su interior 60 mil personas. El viaje tiene una duración de 123 años.

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Un Cabo apellidado "Bower" (interpretado por Ben Foster) que se despierta después de dormir no sabe cuanto tiempo dentro de una capsula de "hiper sueño". El primer efecto es una amnesia temporal, así que el tipo no sabe nada. Después despierta otro miembro de la tripulación (Dennis Quaid) que parece estar tan perdido como él.
Como no hay energía suficiente para abrir la puerta que da al puente de mando, a Bower se le ocurre que puede ir hasta el reactor central de la astronave, reactivarlo y de esta manera continuar con la misión. En medio del camino se va a encontrar con unas criaturas horribles y otros, pocos, pasajeros que se han despertado antes que el Cabo.

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"Pandorum" es una palabra que en la película hace referencia a un trastorno de la consciencia que sufren las personas cuando pasan mucho tiempo en el espacio. El cuerpo tiembla, sangra la nariz, aparecen signos de violencia y por lo general todo termina en una masacre.
La película fue un desastre en lo que respecta a recaudación. A escala mundial solamente consiguió 20 millones. En Estados Unidos obtuvo la mitad de esa cifra en 8 semanas y eso que se la llegó a estrenar en 2.506 cines.
Según el sitio imdb.com, en principio se propuso desarrollar una trilogía de "Pandorum", pero el flojo resultado de taquilla llevó a que el proyecto quedara congelado.
En cuanto a Alvart, el problema de este rescatable director, es que las historias que cuenta son demasiado obvias. En "Caso 39" uno se daba cuenta cuál era la clave de todo, pero en "Pandorum" el efecto es peor, porque la película se hace muy larga y tediosa.

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La cuestión es que el producto está bien filmado y la producción es bastante prolija, a pesar de que haya algunos defectos muy evidentes.
El problema es que no ahonda en ciertos aspectos de la pérdida de sentido de la existencia. Con menos plata, "Solaris" en 1972 reflexionó mucho más sobre la humanidad en la soledad del espacio. Pero "Pandorum" se queda en el camino, y no termina siendo ni una película de acción, ni una película de terror, ni una película psicológica.

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Características especiales. Siendo una película que pasó desapercibida, AVH no se esmeró y puso lo básico dentro del DVD. Están las tradicionales "Ficha Técnica" y "Ficha Artística"; la "Sinopsis", y el "Trailer" que es más aterrador que la película.

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Escenas. Tres pantallas con cuatro escenas cada una.

Lenguajes. Audio solamente en Inglés. Subtítulos en Inglés y Español.

Actividad Paranormal 2: Versión Extendida (Paranormal Activity 2: Unrated Director´s Cut, Ted Willams, 2010)

"Actividad Paranormal 2" es la segunda parte de aquella película de miedo de bajo presupuesto que logró hacerse sufiente fama como para convertirse en un éxito global. Hay más cámaras, mejores actuaciones, un mejor director y una trama más llevadera. Falta el shock de la primera, pero permanece el efecto hipnótico sobre la audiencia, que lleva a estar todo el tiempo con los ojos puestos en la pantalla tratando de ver algo fuera de lo común.
La edición en DVD trae dos versiones de la película: está la que se estrenó en cine, y otra que tiene una duración un poco más larga. Los añadidos no cambian el sentido de la historia, como ocurre en el DVD de "Agente Salt", pero aporta más momentos "paranormales".

De Actividad Paranormal 2

Esta no es una secuela sino una precuela de la obra de Oren Peli, quien ahora opera como productor. Los guionista tomaron aquellos elementos más interesantes de película original y explotaron las aristas más provechosas.
Todo lo que ocurre, le pasa a la familia de la hermana de Katie, la protagonista de la película original, pero la trama explica algunos puntos de aquella producción. La acción se desarrolla alrededor de un mes antes de que la vivienda de Katie se vuelva un punto de atracción para los fanáticos de las entidades sobrenaturales.
En este caso, el falso registro documental parte de las cintas grabadas, por un lado, por una cámara de video familiar que por lo general utiliza la adolescete Ali; y por otro, de un sistema de cámaras de vigilancia que instala la familia en su casa luego de que encuentren todo patas para arriba.
Aquí todo es de última tecnología, porque las cámaras de vigilancia graban en alta resolución con audio y todo, y tienen un sistema para registrar imágenes en la noche.
El objeto de toda la acción es Hunter, el primer hijo varón de Kristi, la hermana de Katie. También hay una perra manto negro llamada Abby que parece detectar que algo no anda bien. Los dos son lo mejor de la película.

De Actividad Paranormal 2

Hay que reconocer que Ted Williams se tomó el trabajo en serio, y en cada secuencia se las arregla para incluir algo que parece "raro" para generar una situación sobrecogedora. Una luz que se apaga, dos sartenes que se agitan, una puerta que se cierra, son recursos efectivos cuando una persona está perdida en la pantalla.
"Fantasmas", "Demonios", "Brujería", son algunas de las explicaciones que se arriesgan aunque ninguna se pueda demostrar.
Si alguien se pregunta que le pudo pasar al niño, puede servir quedarse escuchando los efectos de sonido, mientras pasan los créditos finales.

De Actividad Paranormal 2

"Actividad Paranormal 2" no es una obra maestra del terror, pero habla de la búsqueda de formas de transmitir miedo en la que se encuentra inmersa la industria del cine. Los asesinos seriales como Jason o Freddy Krueger generan carcajadas, y la saga de Jizsaw es demasiado gore. Ahí es donde aparece el sobresalto y la sorpresa a través de una mentira compartida con ribetes verosímiles como herramientas para generar el "susto".

Características especiales. "Actividad Paranormal" tardó dos años en llegar a los cines. Mientras tanto se proyecto en distintos festivales de cine independiente. Durante todo ese tiempo se copió y pirateó. Mucha gente que bajó aquella película a través de una conexión "P2P" la vió con el final original, que finalmente no se proyectó en la mayor parte de los cines, o el final alternativo.
Así que Paramount aprendió, y esperó el lanzamiento del DVD y el Blue Ray para incluir mayor cantidad de material y algún adicional.

De Actividad Paranormal 2

1) Versión extendida: la versión de los cines dura 1 hora y 25 minutos, y esta, 1 hora y 32 minutos. Como ya se dijo antes los agregados no cambian la trama, pero resultan interesantes. Algunos de estos momentos nuevos son:

- la silla de Hunter cae, aparentemente, sola, luego de que Kristie le da de comer al principio de la película;

- Registro completo de los sucesos de la noche 11, ocurrida el 17 de Agosto del 2006, y el día que siguió. Cámara del living: En la cocina, una hornalla de la cocina se enciende sola y el humo hace que se dispare la alarma. Cámara de la puerta: Daniel Rey baja por las escaleras y retira una sarten que está en llamas. Cámara del patio: Se dirige hacia la pileta y se encuentra con que Ali y su novio Brad están en el Jacuzzi, a los besos y con la cámara de video familiar.

- Luego del 18 de Agosto, tras la noche 12. Cámara del patio: Daniel Rey se arroja a la pileta. Nada y cuando se quiere pasar al Jacuzzi, se quema con el agua caliente. Cámara de Ali: Daniel le hecha la culpa a la adolescente porque dice que dejó encendido el termostato del Jacuzzi luego de estar con Brad.

- Cámara de Ali: en su cuarto, Ali cuenta que está teniendo pesadillas. Algunas veces sueña que se le caen los dientes y otras que un hombre sin rostro la mira parado al pie de la cama. La toma termina con una imagen del reflejo en el espejo del cuarto de la chica.

2) Tomas encontradas. Se trata de distintas secuencias grabadas por el sistema de seguridad y la cámara de Ali. Es difícil decifrar a qué momento del relato corresponden.
Todo comienza con tomas de las cámaras del sistema de seguridad. Luego se pasa a la cámara de Ali, en su habitación. La joven se está grabando mientras se pinta las uñas cuando se corta el suministro eléctrico y todo queda a oscuras. Ali prende el reflector de su cámara. Sale de la habitación y se encuentra con Kristi que no puede abrir la puerta que da a la habitación de Hunter. Daniel se despierta y logra abrir la puerta. Se dan cuenta de lo que trababa el paso es la cuna de Hunter. El niño no está en ningún lado. La familia baja por las escaleras y cuando Kristi va a salir al patio trasero, la puerta corrediza se le cierra adelante de la cara. La mujer logra salir y se dirige a la pileta, entre gritos, se arroja al agua cuando ve que hay algo en el fondo. No es el niño, sino un oso de peluche. Entonce se escucha como llora Hunter. Todos cruzan la casa y salen por la puerta delantera. El bebé está sentado en la vereda, llorando. La madre lo toma en brazos, lo besa y le pide a Dios que lo proteja.
Partes de esta última secuencia se pueden ver en el sitio de paranormalmovie.com cuando se intenta retrocer el trailer de la película.
Volviendo al material encontrado. La electricidad vuelve, y se enciende el sistema de seguridad. La cámara de la habitación de Hunter nuestra como Kristi guarda pañales y otros elementos en un bolso. Se escucha como Daniel grita que se van, y Ali pasa cargando otro bolso.
Ya con la casa vacía, las cámaras muestran como se golpean las sartenes en la cocina, se apaga una luz en el living, y la habitación del niño permanece desordenada.
La pantalla se oscurece y cuando regresa la imagen, se puede ver el registro de las cámaras de la calle, del comedor, del living y finalmente, de la habitación de Hunter. Hay algunos objetos que han cambiado de lugar.

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3) Trailers: aquí se puede ver el trailer de promoción del DVD y el Blue Ray. Es semejante al que se exhibió en cines. Lo curioso es que se puede ver el registro de dos cámaras de seguridad que no aparecen en la película. La primera, muestra las escaleras a través de la sala de estar. En la pared hay un espejo y una silla, en el lugar que en la película final está siempre el coche de paseo del bebé. La segunda, muestra otro ángulo del patio trasero.


Selección de escenas. 16 escenas divididas en cuatro pantallas.

Configuración. Audio: Inglés surround, Español, Francés, y narración en off en Inglés. Subtítulos en Inglés, Español y Francés.

Resident Evil 4: Resurrección (Resident Evil: Afterlife, Paul W. S. Anderson, 2010)

Desde que surgió a principios del siglo XXI, la saga de Resident Evil ha levantado más críticas que halagos. Se le achacó que no respetaba la historia de los video juegos originales, que los actores eran malos, que parecía una producción de clase B, que prometía más de lo que en realidad era. La última entrega se suma a la tendencia del mercado del cine e incorpora la tercera dimensión.
Paul Anderson, productor de toda la saga, regresa como Director y decidió presentar un festival de escenas de acción al ritmo de un videoclip, donde hay poco argumento. Esto último ocurre porque realmente la serie no presenta nada nuevo.
Resident Evil 3: Extinción fue muy criticada porque demostraba que ya no había innovación y además le robaba demasiado a Mad Max 2 y el corte de pelo de Milla Jovovich era espantoso. Lo que tenía de bueno es que al final presentaba a Alice (el personaje de Jovovich) como un ser con super poderes que organizaba un ejército de clones y prometía la venganza final Albert Wesker, cerebro de la demoníaca corporación Umbrella, productora de un virus que transforma a los seres vivos en zombis asesinos.
Lo primero que pasa en "Resurrección" es que Alice se queda sin sus clones y segundo, le arrebatan sus superpoderes. El corte de pelo sigue igual.
Ahora, Alice busca si hay otros sobrevivientes, en un mundo devastado por el Virus T, y trata de ubicar "Arcadia" un supuesto paraíso libre de infección.
Reapare el personaje de "Claire Redfield" (Ali Carter), ahora amnésica, pero la novedad es la incorporación de su hermano "Chris" - uno de los principales héroes de los videojuegos de Capcom - que interpreta Wentworth Miller, quien estelarizó la serie "Prision Break". Lo gracioso es que aquí también tendrá que ayudar a su grupo a escapar de una prisión.
Lo peor de la película es el villano, que es interpretado como un monigote por Shawn Roberts.
La película trata de explotar el 3D, algo que no se capta en la edición de DVD que viene en el formato convencional. Hay muchas cosas que vuelan hacia la pantalla, gente flotando (que por momentos recuerdan escenas calcadas de The Matrix). Así hasta casi el final, donde hay un poco de explicaciones, pero no tantas y la promesa de una quinta entrega.
Un minuto y 15 segundos despúes del inicio de los títulos finales, aparece una escena escondida, con la reaparición del personaje Jil Valentine.
Hay que entender que, con las limitaciones del medio, la saga de videojuegos de Capcom sostiene la acción sobre una trama que habla sobre las maniobras de laboratorios que elaboran armas bacteriológicas. En las películas, esa línea argumental se anuló luego de la primera película. Ahora todo es tiros y superviviencia.
Igual, "Resurrección" se deja ver, aunque no de espacio a una reflexión más profunda sobre un tema.


Características especiales. Este DVD también es un elemento de publicidad para otros productos relacionados con la saga, además de tratar de explicar por qué se utilizó el 3D.

- Comentarios. Hay una pista de audio con los comentarios de Paul Anderson y los productores Jeremy Bolt y Robert Kulger. Primero, se explica que se utilizó para la filmación el mismo sistema de 3D que en "Avatar" de James Cámeron. También se revela que las escenas de la guarida subterranea de Umbrella en Tokio en verdad es la sede del Instituto de Farmaceúticos de Toronto, y la plataforma donde dispusieron el mando central es el patio de comidas para los administrativos. Anderson reflexiona sobre lo complicado que resultó para él aprender a combinar para el 3D las escenas que usaban el "espacio positivo", es decir hacia el público, y el "espacio negativo", hacia el interior de la pantalla. Para terminar, Anderson comenta que tuvo que hacer agregados al final de la película por recomendación del Estudio que financió la película: le devolvieron el guión aprobado con dos preguntas: ¿Por qué al final no hay una toma con una cámara que se aleja? y ¿Dónde están los perros infectados? Entonces, al final hay una cámara que se aleja y antes aparecen unos perros terroríficos.

- Banda de supervivientes, el elenco de "Resurrección": se trata de un breve documental sobre la manera en la que se armó el elenco de la película. Todos le tiran flores a Jovovich. Por ejemplo, Anderson manifiesta que "no creo que pudiese haber una franquicia sin ella".
Miller se ríe de que su personaje tenga que decir "yo conozco una salida", que le recuerda a "Prision Break".

- Ajuste de cuentas: la acción en "Resurrección": este es un detrás de escenas, donde se puede ver como se filmaron algunas escenas de la película. Hay mucha pantalla verde, que permite que en postproducción se añadan algunos fondos y efectos visuales. Milla reconoce que esta entrega "ha llevado la franquicia a otro nivel", y uno de los productores sostiene que se apeló a la "fisicalidad", porque ellos saben "lo que quieren los fans".

- Avance exclusivo: Resident Evil: Damnation. Este es el trailer de la segunda entrega de la otra saga iniciada por Capcom sobre Resident Evil, pero en dibujos animados con gráficos computarizados. Es la continuación de Resident Evil: Degeneration, y esta protagonizada por Leon S. Kennedy. Es un avance muy breve, donde solamente se puede ver a Leon, y los monstruos desarrollados a partir de los virus T o G, en una escena de disparos.

Lenguajes. Audio: Inglés, Español y Portugués. Subtítulos: Inglés, Español, Portugués, Chino simplificado, Mandarín y Coreano.

Escenas. Siete pantallas con cuatro escenas cada una.

Los ganadores de los Oscar´s

"El Discurso del Rey" se llevó el Oscar a la mejor película del año que pasó. Su director, Tom Hooper, también fue premiado, lo mismo que Colin Firth como actor. Natalie Portman se coronó como la mejor actriz por "El Cisne Negro". "El Origen se llevó 4 premios en los rubros técnicos.
A continuación, la lista completa, de los premiados.

Película: "El Discurso del Rey"
Mejor Director: Tom Hooper, "El Discurso del Rey".
Actriz: Natalie Portman, "El Cisne Negro".
Actor: Colin Firth, "El Discurso del Rey"
Actriz de Reparto: Melisa Leo, por "El Ganador"
Actor de Reparto: Christian Bale, por "El Ganador".
Largometraje de Animación: "Toy Story 3".
Mejor película en idioma extranjero: "In a Betterworld", Dinamarca.

Canción Original: "We belong together", Randy Newman, de "Toy Story 3",
Música Original: "La Red Social", Trent Reznor y Atticus Ross.

Largometraje Documental:"Inside Job", Charles Ferguson.
Cortometraje Documental: "Strangers No More".
Cortometraje de ficción: "God of Love".
Corto de Animación: "The Lost Thing", Shaun Tam y Andrew Ruhema.

Guion Adaptado: "La Red Social", Aaron Sorkin.
Guión Original: "El Discurso del Rey", David Seidle.

Dirección de Arte: "Alicia en el País de las Maravillas".
Fotografía: "El Origen".
Efectos Visuales: "El Origen".
Edición: "La Red Social".
Mezcla de Sonido: "El Origen".
Edición de Sonido: "El Origen".

Diseño de Maquillaje: "El Hombre Lobo", Rick Baker y Dave Elsey.
Diseño de Vestuario: "Alicia en el País de las Maravillas".

RED (idem, Robert Schwentke, 2010)

"RED" es una vuelta de tuerca al género del espinaje, con ingredientes de comedia. Algo así como James Bond usa dentadura postiza pero sigue espiando como ninguno.
El título de esta película dirigida por Robert Schwentke, son las iniciales de la frase en inglés "Retired, Extremely Dangerous", que en castellano se traduciría como "Jubilado, Extremadamente Peligroso", o sea, "JEP". Pero como esto no quiere decir nada, los traductores se la jugaron e idearon "Retirado, Extremadamente Dañino", y se pudo conservar el "RED".
Es la historia de un super espía de la CIA retirado, llamado Frank Moses (Bruce Willis), que tiene que volver a la acción cuando tratan de atacarlo. En su escape y realineamiento se lleva consigo a una mujer que le gusta, Sarah Ross (Mary - Louise Parker), y junto a viejos compañeros de trabajo destruye una conspiración.
El guión está tan balanceado, que todos los actores reciben el tiempo justo para destacarse. Además de Willis, trabajan Morgan Freeman como Joe Matheson, Brian Cox (Ivan Simanov); John Malkovich (Marvin Boggs); Hellen Mirren (Victoria); Richard Dreyfuss (Alexander Dunning); Karl Urban (William Cooper); y hasta Ernest Borgnine (Henry, el archivista).
Sin embargo, Mirren y Malkovich, se destacan del resto, la primera por una recatada sensualidad, y el segundo por su histrionismo.
La película es muy divertida y utiliza muchos recursos visuales durante el desarrollo. Por ejemplo, como Sarah sueña con viajar cada uno de los lugares que visitan los personajes es presentado a través de una suerte de postal.
La acción tiene el ritmo de series como "24" o películas como "Duro de Matar 4.0". Todo va rápido, algo que constrasta con la edad que evidencian los personajes principales.
De hecho, hay como una lucha generacional entre Moses y Cooper, que nada tiene que ver con la seguridad nacional.
Hay misterio y romance, también. Todos los componentes juntos hacen una historia muy entretenida.
Willis protagonizó esta película en el mismo año que lo convocó Stallone para encarnar por pocos minutos en "Los Indestructibles" a un agente encubierto de la CIA. En ambas oportunidades, aunque en "RED" más que nada, pudo demostrar que sigue estando en condiciones para interpretar a los tipos más duros de la pantalla grande.

Características especiales. Con motivo de la celebrada película "El Discurso del Rey" se comenzó a hablar de la tartamudez entre las personalidades. De acuerdo a un informe periodístico, Bruce Willis integra la lista de personas con esta condición. Eso explicaría por qué el actor usualmente interpreta a personajes con poco diálogo, e intervenciones puntuales en las películas. En "RED" también habla lo justo y necesario, pero en los cortos documentales que vienen como características especiales, lo hace mucho menos.
El DVD de "RED" contiene mucha información y datos.

- Comentarios del ex agente de la CIA Robert Baer: Se trata de una pista de audio que se puede escuchar durante la película. Según Baer, se retiró de la CIA en 1997 luego de participar en un intento de asesinato contra Saddam Hussein. Antes, el FBI lo investigó por intento de homicidio.
"Cuando tu empleador te quiere preso, es momento de cambiar de empleo", reconoce.
Esto podría ser lo mejor de todo el DVD: los secretos de un Agente Secreto. Pero no, Baer tiene pocas anécdotas jugosas, sobre todo, porque al retirarse juró no revelar ningún secreto. Es tan estricta la agencia de inteligencia, que en principio, Baer no se pudo llevar a su casa una Medalla al Mérito que le habían entregado por su desempeño.
Baer también cuenta que cuando ingresó en la CIA, a los 22 años, lo primero que hizo fue buscar los archivos de la investigación del asesinato de John F. Kennedy. Pero cuando consiguió un permiso para acceder a los datos, le dijeron que dichos documentos no podían localizarse.
Baer tampoco pudo contar las comunicaciones que escuchó cuando estaba en Asia Central, porque no podía entenderlas. Esto, porque dicha conexión estaba encriptada en un código al que no tenía acceso.
Pero bueno, por lo menos es divertido escuchar las reflexiones de un agente secreto mientras ve una película sobre espías jubilados.

- Escenas eliminadas o extendidas:

- Se fue en un segundo: después de que Moses derriba a un grupo de agentes especiales en su casa, y antes de que otros ingresen, se lo ve a través de la intermitencia de la luces de un adorno de navidad.
- Tienes un arma, increíble: entre que Moses se encuentra con Sarah en su departemento, y la huída, el espía retirado saca un arma enorme.
- Ayúdame: Luego de que la policía detiene a Cooper en Nueva Orleans, se muestra a un hombre atado con cinta dentro de un comercio.
- No estaba listo: en el aeropuerto de Mobile, mientras un hombre les dispara entre los contenedores, Boggs pone a prueba sus reflejos pidiéndole a Sarah que intente arrebatarle una bala de la palma de la mano.
- Tienes que tener más cuidado: una escena eliminada, que da a entender que Cooper le hizo creer que las lesiones recibidas durante la pelea con Moses, fueron ocasionadas por una caída de las escaleras de su lugar de trabajo.
- Ambos fuimos engañados: Hasta un helicóptero de guerra es enviado a la casa de Cooper para salvar a su familia de Moses.
- Nadando con Tiburones: la agente Cinthia Wilkes (Rebecca Pidgeon) le dice a Cooper que va a investigar a la persona que está detrás de la conspiración.
- Una copa de champagne: antes de ayudar a Victoria, Ivan camina hacia el ascensor tomando champagne y rompe la copa.
- Espectacular falta de visión: una versión más extensa del monólogo final de Dunning.
- Quiero un Margarita: Es una escena eliminada del epílogo en Moldova. Boggs acepta apagar una bomba atómica porque Moses le promete que lo invitará a tomar Margaritas.



- Trivia: es una capa de subtítulos muy especial que se puede activar o desactivar durante la película. Los datos que se aportan a través de distintas placas, no necesariamente tiene que ver con la historia en sí, sino con situaciones o referencias. Por ejemplo, aparece un Árbol de Navidad, y se cuenta que en el 2005 se vendieron miles de árboles de navidad.



- Detalles del elenco: Son pequeños cortos documentales, que en conjunto ocupan unos 30 minutos.

- Estoy en una película de Bruce Willis: el productor Lorenzo Di Bonaventura y todo el elenco, hablan sobre la posibilidad de participar en esta película junto al actor principal.
- El Jefe: todos hablan sobre el director Robert Schwentke. Mirren lo define como "un elfo de Papá Noel".
- Que gran elenco: di Bonaventura, habla sobre el elenco y especialmente sobre Ernest Borgnine.
- Exteriores: un breve recorrido por todas las localidades que se muestran en la película. Es decir, Maryland, Nueva Orleans, Nueva York, Alabama, Virginia y Chicago, entre otras.
- Marvin Boggs, espía subterráneo: detalle sobre el personaje de John Malkovich.
- Frank y Marvin: una aproximación a la peculiar relación entre los dos personajes.
- Mano a Mano: habla sobre las escenas de acción, especialmente aquella en la que se enfrentan a mano limpia Moses y Cooper. Urban cuenta que en la primera toma, le arrojó una taza de café a Willis, y como este no tuvo reacción suficiente, terminó hiriéndolo en la cabeza. También le enseñaron 15 maneras de asfixiar a una persona.
- Nido de Águilas: descripción del hotel de Victoria. Mirren dice que para elaborar a su personaje se inspiró en la ecónoma Martha Stewart.
- Perros Viejos: se indaga sobre las implicancias de ser un Jubilado, extremadamente peligroso.
- Las chicas: una aproximación a la relación amistosa entre Sarah y Victoria.
- El Estilo de Victoria: Mirren cuenta que el vestido de noche que lleva hacia el final de la película fue diseñado exclusivamente para ella. También sumó al vestuario un bolso que le regaló Giorgio Armani.
- Amor Reavivado: la relación amorosa entre Victoria e Iván es puesta en primer plano. Cox cuenta que en 1974 interpretó con Mirren a una pareja de jóvenes en un programa de televisión.
- Armas y más Armas: lo que sobra en "RED" es el armamento, y aquí se cuenta como pudieron los actores aprender a manejarlas. Por ejemplo, Mirren recuerda sus sesiones en los polígonos de tiro. Malkovich sostiene que "las armas son como los caballos: divertidas pero peligrosas".
- Hasta la Muerte: un detalle sobre los fallecimientos que se registran en el climax de la película.



- La CIA al descubierto: son cortos más periodísticos que documentales, en los que se cuentan distintas historias de la CIA.

- Joyas de la Familia: según este corto, hacia 1973 la CIA comenzó a almacenar información sobre distintas personas, revisando su correo, y escuchándo sus conversaciones telefónicas, entre otras tácticas de inteligencia. Los datos fueron revelados recién en el 2007.
- MK Ultra: primero habla sobre un experimento de la CIA en la década del 50 que implicaba administrar LSD (droga conocida como ácido) a agentes hasta 77 días seguidos, para ver el efecto que tenía sobre los mismos. Luego, se cuenta que a principios de los 60´s se inició la operación "Climax a Medianoche" por la que se montaron falsos prostíbulos, en los que se drogaba a las prostitutas y a los clientes, y luego se los espiaba con cámaras ocultas.
- Micrófono en el Kremblin: un micrófono colocado por la CIA en un puesto de comunicaciones de Moscú durante la Guerra Fría, sirvió para que Estados Unidos advirtiera al Gobierno post caída del Muro de Berlín sobre un Golpe de Estado.
- Operación Kitty: la CIA logró colocar un equipo de comunicaciones dentro de un gato para que espira en un lugar, pero el animal fue atropellado por un taxi. El experimento costó 15 millones de dólares. Luego, se cuenta que la agencia de inteligencia confundió a un perro con la supuesta amante de una diplomática.
- Golpe de Estado en Guatemala: 1954. La CIA organiza un ejército para derrocar a Jacobo Arbenz, porque estaba realizando una reforma agraria que amenazaba a la empresa United Fruit, entre cuyos accionistas se encontraban dos directivos de la agencia de inteligencia.

Idiomas. Castellano e Inglés en Dolby 5.1. Subtítulos en los mismos idiomas.

Escenas. Tres pantallas con 6 escenas cada una.

El último exorcismo (The last exorcism, Daniel Stamm, 2010)

"El último exorcismo" es una muy buena propuesta para todos aquellos a los que les guste el género de los falsos documentales. Podría haber sido un soplo de aire fresco en ese terreno, pero algunos desajustes técnicos hacen que se pierda la mística y esa suerte de contrato de credibilidad entre el espectador y el director que necesita para arribar a buen puerto.
El argumento es muy interesante. Un predicador llamado Cotton Marcus (intepretado por Patrick Fabian) que ha dejado de creer en la existencia de los demonios decide realizar su último exorcismo y un par de documentalistas se ofrecen para registrar en video toda la acción.
Marcus viene de una familia de exorcistas, y su padre le deja utilizar un libro llamado "delliciavum de hortus" donde se hay información sobre todos los demonios existentes sobre la faz de la tierra.
La forma en la que se desarrolla la historia es muy inteligente. Como Marcus ya no cree en lo que hace, le encuentra explicaciones lógicas a todos los comportamientos extraños, pero no se las dice a las personas que lo convocan, sino que continúa el engaño con una serie de dispositivos de audio y tansas con las que mueve muebles y cuadros. El objetivo del tipo es no desilusionar a personas que no aceptan otras explicaciones que la Fe.

De Películas en DVD

El último exorcismo de Marcus será en una granja de Ivawood, Luisiana, donde se encuentra una adolescente llamada Nell (Ashley Bell), sobre la que su padre piensa que está poseída.
Ahí comienza el peligroso y terrorífico viaje de vuelta de Marcus, y los documentalistas se ven arrastrados en el mismo sentido.
Lo inteligente de la puesta es que hasta el final no se ven cosas realmente fantásticas o que se podrían catalogar como sobrenaturales. Nell grita, corre y se retuerce de unas formas que dan miedo, pero no es nada que no pueda hacer una joven con buena elongación.
Se podrá decir que el final de la película es convencional, pero no defrauda si se lo analiza en el contexto del desarrollo de la historia.
Ahora bien, a diferencia de otros falsos documentales, este no empieza con placas escritas donde se dice: "este material documental fue encontrado en un bosque", ni terminca con frases que digan "los cuerpos nunca fueron hallados". No. Esto empieza y termina de golpe.
Eso sí, el material es presentado al mejor estilo de los documentales tradicionales: primero el plano de ubicación con la cámara fija, después declaraciones de alguna persona, y después el registro de una acción. Es al espectador al que le queda elaborar una hipótesis sobre la persona que editó el material y realizó el corte final.
Además, las actuaciones son buenas, y por momentos "El último exorcismo" se parece más a "Cloverfield" que a "El Proyecto Blair Witch".
Hasta hay una especie de reflexión sobre la irracionalidad oscurantista en la que se vive en la norteamérica profunda.
Pero es en un pequeño detalle donde la película no cierra. Lo más obvio es que a pesar de que se deja en claro que solamente hay una cámara grabando los acontecimientos, por momentos hay diálogos donde queda en evidencia que hay dos cámaras.
Entonces, cuando esto queda expuesto, todo lo que se había creado hasta el momento, se cae. Igualmente, esto no evita que se llegue al final en forma entretenida.
Para destacar es la banda de sonido, que fue elaborada por uno de los protagonistas de la película, Caleb Jones.

Características especiales. AVH sigue quintando la posibilidad de encontrar en sus DVD material adicional. La edición argentina está muy lejos de la norteamericana, y no tiene ni siquiera un "Making of...".
En Estados Unidos, el DVD viene con los comentarios del Director, del Productor Eli Roth, y los actores; el documental sobre la realización llamado "El demonio que conoces", un documental de 14 minutos llamado "Historias verdaderas de exorcismos"; y el trailer que se pudo ver en el 2009 en el festival de Cannes.
En la edición argentina solamente se puede ver: el trailer de los cines, la ficha artística, la ficha técnica, y una larga sinopsis. Nada, porque no llega a ser poco.

Escenas. Cuatro pantallas con tres escenas cada una.

Subtítulos. La única opción es "subtítulos en castellano".

The Runaways (idem, Floria Sigismondi, 2010)

The Runaways tiene una historia que merece ser contada pero no hay certezas de que alguien quiera que se cuente. Se trata de la biografía de la primera banda de rock enteramente conformada por chicas que lograron ingresar al mercado de la música estadounidense.
Por lo general lo que hacen los pioneros es olvidado, y un poco es lo que pasó con el grupo The Runaways, al que se tardó mucho en tomar en serio.
El mercado del rock es machista, eso es lo que subraya la película. De hecho, la banda se despedaza más por presiones externas que por discusiones internas, siempre según la película.
No hay nada de otro mundo en esta película de Sigismondi, más allá de algún plano (sobre todo los que utilizan los reflejos de los espejos), y la reinterpretación de la realidad.
Sigismondi es conocida por su trabajo en el mundo del videoclip (como los increíbles "Beautiful People" y "Tourniquet" de Marilyn Manson), pero en la película hay poco de videoclip. Se toma el tiempo para crear climas con el apoyo de una excelente selección musical de puro rock.
El argumento pasa de "Neon Angel", un libro escrito por Cherie Currie, la cantante de la banda.
La historia se sitúa a mediados en 1975, en el Valle de San Fernando. El glam se está muriendo, y el rock progresivo se separa demasiado de la realidad. Todavía falta para la llegada del punk.
Ahí está Joan Jett (interpretada por Kristen "Crepúsculo" Stewart), una chica de pocas palabras que quiere rockear con su guitarra. Un día, a la salida de una discoteca, se anima a hablar con el productor Kim Fowley (impresionante interpretación de Michael Shannon), un tipo excéntrico que puede llegar a hablar por teléfono mientras mantiene relaciones sexuales con una mujer sobre un escritorio. Fowley conecta a Jett con Sandy West, la baterista, después aparecen la guitarrista Lita Ford y la bajista Robin Robins (en verda la bajista se llamó Jackie Fox, pero esta no quiso ni que se la nombrara en la película).
La cantante, Cherie Currie (en la película, Dakota Fanning), fue elegida por Fowley, primero por su look de rubia de Hollywood, y luego por sus condiciones musicales.
En la realidad, la banda fue maltratada por el periodismo especializado, que la trató como un producto prefabricado.
La película empieza con una gota de sangre que mancha el pavimento de una calle. Significa el primer período de Currie y la pérdida de la inocencia. Mientras tanto, Jett se compra una campera de cuero para hombre, y anda por ahí medio encorvada.
Hay escenas muy impresionantes, como aquella en la que Fowley hace que las chicas canten mientras unos jóvenes le tiran basura. El plano corta a una fiesta, donde la banda se presenta, y con la ayuda de sus instrumentos devuelven hasta botellas de cerveza. En otra, Jett grita dentro de un estudio de grabación mientras le arroja de todo al vidrio de la sala del operador, desde donde Fowley se mofa de ella y la insulta.
La parte más lograda de la cinta es cuando el grupo se presenta en Japón, único lugar donde parece que fue realmente reconocido. Ahí Fanning se pasa con su actuación y deja en claro que está dejando de ser la niña de "Mi nombre es Sam", y quiere ir por mucho más.
En general, todas las actrices pudieron reunirse con las músicas a las que interpretaron para conocerlas mejor. Currie se emocionó al saber que Fanning sería ella en el cine. Joan Jett produjo el film. Stewart y Fanning cantaron ellas mismas la mayor parte de los temas que se escuchan. "Cherry Bomb", un tema armado por Fowley y Jett en cinco minutos, sigue siendo un super hit.
Esto no es "The Doors", y nadie muere al final, sino solamente "The Runaways".
En Estados Unidos la película no funcionó bien en taquilla, y en Argentina se estrenó directamente en DVD.
En la vida real, Cherie Currie intentó ser actriz, se sumergió en el mundo de las adicciones, y terminó esculpiendo madera con una motosierra; Joan Jett continuó con su carrera de estrella de rock; Lita Ford hizo lo mismo; Sandy West murió en el 2006, según dicen, luego de una vida muy sufrida; y Jackie Fox, se retiró del mundo de la música y se recibió de abogada.

Características especiales. Bastante poco tiene este DVD editado en Argentina por Transeuropa. Se podría haber esperado más material sobre la banda y hasta una discografía. Según sitios especializados, en el DVD editado en Estados Unidos se pueden escuchar los comentarios de Joan Jett.

- La realización de... Un documental muy corto, en la que las actrices y la directora presentan la película y tratan de comunicar la importancia que tuvieron "The Runaways" para el mundo de la música. Lo más destacable es la participación de la Cherie Currie verdadera, quien dice: "nadie creía que podríamos ser tan buenas como éramos", y "si tienes un sueño puedes hacerlo realidad. Eso no significa que no vaya a trabajar duro pero si tienes suficientes agallas y tenacidad, logras lo que sea".

- Trailer. Un adelanto de la película, muy convencional.

Idiomas. No hay forma de elegir más que con el control remoto. Solamente se puede escuchar en inglés y los únicos subtítulos existentes están en español.

Escenas. Tres pantallas con cuatro escenas cada una.

Tiburón (Jaws, Steven Spielberg, 1975)

El DVD por el 25° Aniversario del estreno de la película "Tiburón" aporta información y declaraciones de primera mano de lo que fue un rodaje muy dificultoso para un éxito de taquilla.
Se trata de la producción que colocó en primer plano a Steven Spielberg y sentó las bases de un modelo de películas de terror que posteriormente sería copiado cambiando al tiburón por pirañas, barracudas, pulpos y calamares de distintos tamaños.
La historia de la caza del escualo es presentada de manera directa, con personajes sólidos. El Jefe de Policía Martín Brody (Roy Scheider) trabaja en una isla pero le tiene miedo al agua; el experto en tiburones Matt Hooper (Richard Dreyfuss) resulta ser un joven acaudalado con un particular sentido del humor; el experimentado pescador Quint (Robert Shaw) tiene un caracter intimidante. Después están la mujer de Brody, el Alcalde de la ciudad y sus colaboradores.
Pero el tiburón está presente durante todo el relato presentado como un monstruo desconocido pero imaginado, astuto y homicida. Su presencia se anuncia a través de la tradiconal música compuesta por John Williams. Su enorme mandíbula con dientes afilados es motivo de terror aunque recién al final de la película se puede ver de manera directa y en acción. "Jaws", el título original, quiere decir "Mandíbulas".
Los ataques comienzan en la víspera de la tradicional regata de Amity Island (nada que ver con Amity Ville) y se produce un conflicto entre Brody y el Alcalde porque el primero quiere cerrar las playas y el segundo piensa que esto perjudicará los ingresos por turismo del lugar.

De Películas en DVD

De los problemas económicos, políticos y sociales se pasa al enfrentamiento entre el hombre y el animal; una dialéctica que no puede acabar más que con la aniquilación de uno de los dos.
Características especiales. El DVD de Tiburón cuenta con características cuasi enciclopédicas. En un mismo disco se reúnen un documental de 48 minutos; más de 300 fotos del rodaje, los protagonistas y el staff técnico; escenas extendidas, información sobre los escualos; y ejemplos de los storyboards. Todo un homenaje para este nuevo clásico y un aporte para los fanáticos de la película.
Hay que reconocer que en cierta manera, de todo el material que se encuentra en el DVD ha surgido la mayor parte de la información que circula por los sitios especializados, por lo que se destaca la importancia de esta edición.

- Foco en escena: Detrás de las Cámaras de "Tiburón". "Cuando oigo la palabra Jaws pienso en un período de mi vida cuando era mucho más joven de lo que soy ahora y creo que porque era más joven era más valiente. O era más estúpido. No estoy seguro de cuál de los dos. Cuando pienso en Jaws pienso en coraje y estupidez", reconoce Spielberg abriendo este documental que demuestra lo dificultoso que fue el rodaje de la película. La filmación se extendió hasta los 150 días y con él todas las tensiones generadas por el aumento del presupuesto.
A lo largo de 48 minutos se pueden escuchar testimonios de los productores Richard Zanuck y David Brown; Roy Scheider; Richard Dreyfuss, John Williams; el autor de la novela original Richard Benchley; y otros integrantes del equipo que colaboró con la película.
En cierta manera, la dilatación de los tiempos se debió a que no se lograba hacer funcionar el tiburón mecánico. En aquellos tiempos no se podían generar gráficos computarizados realistas, y los monstruos se construían en talleres. Spielberg tenía en mente la escena en la que el tiburón salta desde el agua y cae sobre el barco. De allí la necesidad de tener el animal robot en funcionamiento.
En un principio, Spielberg tomó el guión escrito por Benchley y lo recortó y los reescribió de principio a fin. Luego se sumó a la tarea de Howard Sackler aunque pidió que su trabajo no fuera reconocido en los créditos. A su vez, se contrató a Carl Gotlieb como actor, pero también para colaborar en la reescritura del guión y este sí figura en los créditos.
El colmo llegó durante el rodaje, en el momento en el que el personaje Quint recuerda la tragedia del USS Indianápolis. Según Spielberg, se trata de su escena favorita, pero el monólogo de Quint comenzó como una breve intervención ideada por Sackler, que posteriormente incrementó Jhon Milius, un amigo del Director, que terminó transformando en antológico con la reescritura del actor Robert Shaw.
Otro dato pintoresco tiene que ver con las dimensiones del tiburón. Los productores querían filmaciones de un animal real, no solo las del mecánico. Para ellos contrataron a especialistas en filmaciones de la fauna marina. Estos le aclararon que los tiburones blancos existentes medían 5 metros y no 9 como en la película. Como era necesario filmar la escena en la que el tiburón ataca a Hooper dentro de la jaula sumergible, el papel del buzo fue interpretado por un enano, para que diera la impresión de que el escualo medía realmente 9 metros. Según se cuenta en el documental, esta persona no sabía bucear y le tenia miedo al agua y a los tiburones.
Finalmente solamente se pudo filmar al tiburón atacando a la jaula sin el hombre adentro. Esta parte se terminó tiempo después en una pileta, con el tiburón mecánico. Sin embargo, Spielberg usó en la versión original los primeros planos de la mirada aterrorizada del enano detrás de las antiparras.
El lugar de filmación de la película en sí fue la isla Martha´s Vineyard. Spielberg comenta que lo atrajo el hecho de que tuviera un suelo arenoso a 10 metros de la superficie que se extendía a lo largo de 20 kilómetros mar adentro. De esta manera, podría colocar sobre el mismo el trineo con el que se movería el tiburón gigante, y también daría la impresión de estar en medio del océano porque no se veía la costa.
En la primera prueba que se realizó, el tiburón mecánico terminó en el fondo del mar, y tuvo que ser rescatado por buzos.
Pero en cierta manera, todos los desperfectos sufridos por el animal mecánico, ayudaron a que el misterio del aspecto del tiburón se mantuviera hasta el final. Además, estaba el tacto de Spielberg. Fue él quien eligió que en el comienzo de la película el ataque a la chica se filmara sin que se viera ni siquiera una aleta del tiburón, sino solamente los movimientos violentos en la superficie del mar. Es por esto que a la actriz se le ataron cuerdas a un arnés con las que se la movía del un lado para el otro mientras gritaba.
Por último, se puede agregar que Spielberg y Benchley discutieron por el final de la película. Es que la novela original terminaba al estilo de Moby Dick, pero el director quería algo más espectacular. De allí surgió el duelo final entre Brody y el Tiburón.
Este documental cuenta con entrevistas y fotografías. También incorpora las filmaciones realizadas por el propio Spielberg, que ayudan a comprender los sucesivos estadios del rodaje.

- Escenas Inéditas. En verdad, en su mayoria, se trata de escenas extendidas, porque algunas partes de las mismas se pudieron ver en la pantalla grande. 1) Ocurre en la casa de Brody; su esposa llega y el revisa una bolsa con ropa para regalar que le recuerda al Madison Square Garden de Nueva York con todos sus problemas; 2) Es la primera parte de la escena en la que Brody camina junto al joven que estuvo por última vez con la primera víctima del tiburón; tratan a los turistas como "cretinos de Verano"; 3) Cuando el oficial de policía va a colocar carteles de prohibido nadar en las playas, es interceptado por el Alcalde; este último le dice al primero que lo llevará en su auto hasta donde fue Brody, con lo cual, los carteles no son colocados; 4) ocurre sobre la barcaza, y el diálogo entre Brodey y el Alcalde es más largo; 5) Quint y otra persona entran a una tienda de instrumetos musicales; el pescador asusta con su tarareo a un niño que está tocando una tonada con un clarinete; 6) es la ampliación de la escena del puerto donde muchos pescadores se preparan para tratar de cazar al tiburón; Brody cruza el muelle, para a un hombre que lleva una escopeta y le pide que deje el seguro puesto; 7) también en el muelle, Ben Gardner habla en voz alta y se mofa de los pescadores que han llegado a Amity Island; empalma con parte de la escena anterior; Brody termina hablando con Gardner; luego llega Hooper en una lancha; 8) en alta mar, muestra como los pescadores se pelean por rematar al tiburón tigre, con armas de fuego, inclusive, 9) en la cocina de Brody, la mujer del policía habla hacia el punto donde está sentado Hooper y le pregunta si vio en la televisión un programa sobre nutrias; 10) Hooper y Brody caminan bajo un muelle; van camino al lugar donde está el tiburón tigre muerto; hablan sobre una hot line; aparecen las piernas de una tercera persona desconocida.

- Lo que no se vio. Son sucesivas tomas de la filmación de dos planos. El primero muestra a Scheiner tratando de disparar un revolver que no funciona; y el segundo, a Shaw en su pelea final con el tiburón.

- ¡Sal del agua! Juego de Trivia. Se trata de 12 preguntas sobre la película con múltiples opciones de respuesta. Si se tiene problemas para contestar, está la opción de obtener ayuda. En este caso, se muestra una fracción de video donde hay información importante.

- Fotografías de la producción. Más de 300 imágenes del rodaje y la película.

- Storyboards. Se trata de los dibujos realizados por Tom Wright. Se puede ver la manera en la que se pensó que serían los créditos iniciales, el primer ataque del tiburón, la muerte del niño de la colchoneta inflable, pero también escenas que no se vieron en la versión final, como la muerte de un pescador, la muerte de Hooper tal como figura en la novela original, y el final alternativo

- Avance de incógnita. El trailer de la película donde no se ve al tiburón. Solamente imágenes y leyendas en pantalla.

- Avance de cine original. El trailer definitivo. El slogan era "veala antes de ir a nadar"

- Avance de cine del relanzamiento. Se dice "fue vista por 67 millones de personas"; "tardó dos años en filmarse", "fue vista en 40 países en 17 idiomas distintos"; "fue nominada a 18 premios"; "si ha olvidado lo que es el terror el Tiburón original ha regresado". Se trató de un estreno realizado en Estados Unidos meses después del principal, y solamente por dos semanas. Cosas que se podían hacer en aquellos tiempos en los que la piratería no estaba tan desarrollada como ahora.

- Protector de Pantalla. Un protector de pantalla para la computadora. Viene un archivo ejecutable dentro del DVD para instalarlo.

Idiomas disponibles. Inglés, Portugués y Español.

Subtítulos. Inglés, Portugués y Español.

Escenas. Cinco pantallas con 4 escenas cada una.

La Caja Mortal (The Box, Richard Kelly, 2009)

El DVD de la "La Caja Mortal" es interesante no tanto por la película sino por una breve entrevista al escritor Richard Matheson, autor de la historia original.
Según cuentan los sitios especializados, Matheson ya se había mostrado desconforme con una primera adaptación para la pantalla chica que se realizó a mediados de la década de los 80´s en una nueva versión de la serie "La Dimensión Desconocida".
En realidad, no se sabe que pensó Matheson luego de ver la película de Kelly, pero por lo menos, dio la entrevista.
Mientras que el texto de Matheson hablaba sobre temas éticos y psicológicos con implicaciones fantásticas, Kelly deriva el relato en una trama de ciencia ficción que va más allá de la idea original.
¿Y cuál es el argumento? Norma y Arthur Lewis (Cameron Díaz y James Marsden, respectivamente), quienes viven en Virginia con su hijo Walter, en 1976, reciben una mañana un paquete dentro del cual hay una extraña caja que tiene un botón protegido por un domo que posee una cerradura. Además, hay una carta que dice que alguien los irá a visitar tiempo después. A la hora señalada, aparece en la puerta un tipo al que le falta un pedazo de cara que le ofrece a Norma hacer un trato: si presiona el botón de la caja ocurrirán dos cosas, primero, alguien que no conoce morirá; segundo, se le entregará un 1.000.000 de dólares.
Ahora, mientras que en el texto de Matheson y el capítulo de "La Dimensión Desconocida", toda la historia giraba en torno al dilema en apretar o no el botón por el dinero porque eso incluía la posibilidad de causar la muerte a un desconocido, en la película de Kelly el tema es lo que pasa después de apretar el botón. Sí, el botón es apretado, y eso no quiere decir que se esté adelantando nada.
Esta continuación del problema después del botón parece un paso innecesario. Se podría haber retratado todo el periplo fantástico de Norma y Arthur sin que esto ocurriera. Es más, quizás hubiese sido interesante que hasta el final se guardara el suspenso sobre la cuestión de si vale la pena apretar el botón porque está en juego una vida.
Kelly es el responsable de la película de culto "Donnie Darko", en la que se trataba de una manera muy particular el tema de las paradojas en el tiempo y los agujeros de gusano.
"La Caja Mortal" es un caos después del incidente del botón, porque hasta allí venía bien como una historia de suspenso. Se muestran muchas situaciones confusas, al estilo de David Lynch, pero a diferencia del director de "El Camino de los Sueños", Kelly se rinde, y pone en boca del personaje sin parte de la cara (interpretado por Frank Langella) explicaciones filosóficas, en lugar de contar la historia a través de situaciones.
Hay que buscar en la historia personal de Kelly para entender por qué quiso que la trama ocurriera en 1976, cerca de la base Langley de la NASA, durante la misión a Marte de la Viking. Al parecer, su padre estuvo relacionado con ese proyecto, y su madre sufrió una lesión semejante en el cuerpo a la que presenta Norma.
Además, a la película parece que le faltan unos minutos más. De hecho, en el trailer, que está en el DVD, se pueden ver secuencias que no están en la versión final. Por la manera en la que están vestidos los personajes, se puede deducir en que parte del desarrollo del relato hubiesen estado.
Los otros problemas de "La Caja Mortal" son: Cameron Díaz, que no puede desarrollar la parte dramática del personaje después de apretar el botón; los efectos digitales con los que se le sacó media cara al personaje de Langella; las justificaciones con las cuales se argumenta el experimento de la caja.
La única escena que se destaca después del incidente del botón es la que ocurre en una biblioteca, con mucho suspenso, casi terror, y una conclusión fantástica.
Se trata de una película que podría ser mejor, pero no convence a la hora de las definiciones.

Configuración. El audio está en Dolby 5.1 tanto en español como en inglés. Están disponibles subtítulos en español.

Escenas. Tres pantallas con 5 escenas cada una.

Características especiales. Esta es la mejor parte del DVD, porque trae la entrevista a Matheson. Antes se debe pasar por:

- Trailer: donde se promociona la película en torno al dilema de apretar o no el botón, y se pueden ver partes de secuencias que no aparecen en el corte final.

- Fotos: Algunas fotos del rodaje y de la película.

Y el plato fuerte:

- Richard Matheson en sus propias palabras: la entrevista no dura más de 5 minutos, pero por lo menos deja un registro de este escritor que es autor de las novelas "Soy leyenda", "El increíble hombre menguante" (ambas adaptadas para el cine), y el guión de "Duelo a Muerte" (un telefilm en el que se enfrentan el conductor de un auto con un camión asesino), entre otras creaciones. El hombre nació en 1926 y se muestra muy lúcido a la hora de contestar.
Según cuenta, la idea de "Button, Button", título original del cuento en el que se basa "La Caja Mortal", se lo "robó" a su esposa. Sucede que la mujer iba a un curso de psicología en el que le preguntaron a los alumnos si aceptarían 50 mil dólares con la condición de que alguien moriría.
También opina que "Somewhere in Time", que en el cine se conoció como "Pide al tiempo que regrese", fue "la mejor novela que escribió", y que "What Dreams May Come", que en el cine se llamó "Más allá de los Sueños", fue su novela "más efectiva".
Finalmente, Matheson se muestra optimista con la posibilidad de que sus escritos sean adaptados al cine, porque de esta manera más gente podrá conocerlos.